sábado, 29 de agosto de 2009

Música y Salud II: El Efecto Mozart - Tomatis

Alfred A. Tomatis (Niza 1 de enero de 1920 - Carcassonne 25 de diciembre de 2001 ), otorrinolaringólogo de fama internacional, psicólogo, investigador e inventor. Recibió su doctorado en medicina en 1945 por la Facultad de medicina de parís y dimitió de la Orden de médicos. Sus teorías sobre el tratamiento de los problemas de audición y lenguaje son conocidas bajo el nombre de Método Tomatis o Audio-Psico-Fonología (APP).

Alfred Tomatis ha consagrado lo esencial de su vida profesional a estudiar los procesos que ligan la escucha al lenguaje. Su padre, Humbert Tomatis, fue cantante profesional, en concreto era "bajo noble" en la ópera de París. Conjugando el amor por el canto y la música, heredados de su familia, con los intereses por la práctica clínica, se llegó a apasionar por las relaciones que existen entre oído y voz.

Desde 1947 comienza unas investigaciones en los dominios de la audiología y la fonología que conducirán a la formulación de un cierto número de leyes que en adelante llevarán el nombre de Efecto Tomatis (comunicado por Mr. Husson en la Academia de ciencias y en la Academia de medicina en 1957). Estos descubrimientos profundizan los estrechos vínculos que existen entre el oído, la voz y el sistema nervioso. Este descubrimiento es la base del método que lleva su nombre y que es aplicado en los Institutos Tomatis por todo el planeta.

El Dr. Tomatis ha demostrado que modificando las facultades auditivas de un sujeto se obtenían transformaciones en el comportamiento y el lenguaje. A tal efecto ha puesto a punto un aparato específico: el Oído Electrónico de precesión. Lo que también supuso el origen de la nueva disciplina que es la Audio-Psico-Fonología.

Alfred Tomatis definió las tres leyes del 'Efecto Tomatis, para «optimizar la capacidad de comunicación de la que dispone cualquiera, dando o volviendo a dar al sujeto, lo más rápidamente posible, su plena autonomía».

Todo comenzó hace unos cincuenta años a partir de la conexión entre dos series de observaciones. Siendo otorrinolaringólogo e hijo de cantante tuvo que trabajar con artistas cuya voz se había roto. En la misma época, dirigía el Laboratorio de acústica de los Arsenales de Aeronáutica. Examinaba a personas que tenían deteriorada la audición al trabajar en los bancos de pruebas de los reactores supersónicos, para posteriormente decidir si se les debía indemnizar. En estas personas notó que bastante a menudo también sufrían una muy clara deformación de la voz.

Se preguntó entonces si la audición dañada no era finalmente la causa de las perturbaciones de la voz, incluso en el caso de los cantantes.

En efecto, un gran tenor llega hasta los 110, 120 e incluso 130 dB. Esto da aproximadamente 150 dB en el cráneo. Ahora bien, un reactor ATAR a nivel del suelo da 132 dB, aunque no con la misma energía y sí con la misma intensidad de salida.

Profundizando sus observaciones, a A. Tomatis le impresionó entonces el paralelismo que existe entre el examen audiométrico de un sujeto y la curva envolvente del análisis espectral de su voz; así, comienza una serie de experimentos sobre las reacciones y contra-reacciones de la audición sobre la emisión vocal.

Para ello utilizó dos montajes:

- el primero permitió visualizar la descomposición armónica de los sonidos emitidos (análisis espectral) mediante un micrófono y un analizador.

- el segundo daba la posibilidad de modificar a placer la audición del sujeto sometido a la experiencia; su voz era captada por un cierto tipo de micrófono[6] pegado a un amplificador cuyas características de respuesta en el nivel de los auriculares que lleva el sujeto son modificables gracias a un juego de filtros (Filtro paso alto / Filtro pasa bajo /Filtro paso banda) que permiten de este modo variar la forma de escucha del sujeto y, por consiguiente, su manera de controlarse.

La extraordinaria importancia de las contra-reacciones que surgían entonces permitió a A.Tomatis afirmar que existe un auténtico circuito cerrado de auto-información cuyo sensor de control, durante la emisión en el nivel de los órganos fonadores, no es otro que el oído, y que toda modificación impuesta a este sensor instantáneamente comporta una modificación considerable del gesto vocal, fácil de descubrir auditiva y visualmente, en todos los casos físicamente controlables por el tubo catódico del analizador.

De este modo, habiendo comprobado que un modo de expresión vocálico propio de un condicionamiento del conjunto del aparato fonatorio exteriorizándose mediante un gesto vocal conocido, responde a una forma de escuchar determinada por un condicionamiento más o menos complejo del conjunto del aparato auditivo, así como también habiendo comprobado que toda modificación en la forma de escuchar engendra un nuevo gesto fonatorio, A.Tomatis transformó el condicionamiento defectuoso por un nuevo condicionamiento calculado sobre la base de una curva de respuesta auditiva ideal (la de un gran profesional de la voz, por ejemplo).

Desde las primeras sesiones, se constata que persiste una remanencia temporal de este nuevo estado; y, al final de un cierto periodo de entrenamiento, deviene permanente.

Para realizar en la práctica este proceso, A.Tomatis puso en marcha un aparato que en adelante vino a llamarse oído electrónico de efecto Tomatis.


¿POR QUÉ MOZART ?

Según Tomatis, hay varias maneras de probar las cualidades terapéuticas excepcionales de la música de Mozart. Las mas evidentes son : el análisis estético y psicológico de sus composiciones; los efectos neurofisiológicos en el cuerpo humano y por ultimo ; el análisis en laboratorio del espectro sonoro de su música.

Desde el punto de vista estético o psicológico Tomatis distingue una serie de cualidades que están presentes simultanea y permanentemente en todas las composiciones de Mozart.

¿Que tiene de especial entonces esta música ?

Hay en todas sus frases, escribe Tomatis, en sus ritmos y en sus secuencias una sensación de libertad y rectitud que nos permite respirar y pensar con facilidad. Nos transmite algo especial que pone en evidencia nuestro potencial creativo y nos hace sentir como si fuéramos los propios autores de lo que escuchamos. Nos hace creer que la frase musical se desarrolla de la única manera como podría desarrollarse.

En sus obras reina un sentimiento de seguridad permanente. No hay momentos insólitos. Todo esta perfectamente ligado. El pensamiento se desarrolla sin choques ni sorpresas. Mozart se vuelve así accesible a todos y jamás nos cansamos de escucharlo.

Sentimos constantemente una felicidad y un sentimiento de perfección que no se encuentra en ningún otro compositor, por mas alegre que este sea. Mozart nos lleva a otro universo, nos hace resonar a través de nuestras fibras mas sensibles. Gracias a su música podemos vibrar con nosotros mismos, tomar conciencia de nuestro ser. A Mozart no le interesa en absoluto revelarse en nosotros, sorprendernos, dejarnos atónitos. Al contrario, con su música nos conduce a un lugar donde comenzamos a ser nosotros mismos.

Su ritmo es el del universo; su virtuosismo instrumental : el cuerpo humano

Mozart tradujo los ritmos eternos a su manera y a la nuestra. Supo adaptarlos a nuestras propias neuronas. Su instrumento no fue ni el piano ni el violín sino el hombre mismo. Supo ponerlo en resonancia musical con el universo. Y este es el milagro de Mozart : colocar al ser humano al unísono con la armonía universal.... ..

El universo esta lleno de ritmos. Todo tiene su ciclo, todo es periódico: los años, las estaciones fluviales, el día y la noche, las distancias interplanetarias, los ciclos de vida, el pulso cardiaco, la respiración, el movimiento infinitesimal de la materia, en fin...

Todo es música para quien sabe percibir las cadencias y discernir las combinaciones, para quien sabe descubrir los ritmos vitales en su multiplicidad y transcribirlos de manera que sean accesibles. Mozart logra despertar todos los ritmos fundamentales inherentes a cada uno. De esta manera no hay ninguna restricción, ninguna obligación, ninguna imposición. El ritmo llega a ser la medida del pasaje del tiempo de cada uno y de cada cosa. En estas condiciones los ritmos respiratorios y cardiacos se instalan con toda libertad. De la misma manera se armonizan todos los movimientos propios de la gesticulación, bajo la influencia del conjunto de esos ritmos de fondo. Esta libre adhesión, este consentimiento espontáneo no puede ser inducido mas que por una música libre, desprovista de medidas rígidas que en beneficio de un ritmo impuesto, hagan perder, olvidar u omitir la presencia de los movimientos vitales. La música de Mozart deja emerger en cada uno de nosotros el ritmo resultante de nuestras propias vibraciones de base.

"Yo no conozco otro más que Mozart para alcanzar este nivel", dice Alfred Tomatis. Y lo comprobó clínica y estadísticamente, sanando a mas de 100.000 pacientes con la música de este compositor. Además realizó experiencias sorprendentes en un monasterio en Bretania con vacas que escuchando sinfonías de Mozart aumentaron notablemente su producción de leche. En Munich realizó experimentos con niños desahuciados llegando a normalizar signos vitales con música de Mozart, sonidos fetales y la voz materna.

Otras experiencias similares se hicieron con vegetales, en Canadá, donde constataron mejoras en el crecimiento y en la "tonicidad" de las plantas.

Pero mas allá de todo, Mozart tocó el cuerpo humano como nadie jamas lo ha hecho. Su música hace vibrar y fluir el propio canto de cada ser humano. Pone en resonancia el potencial de quien lo escucha. En Mozart nos reencontramos todos.

Son esos ritmos fundamentales que Mozart ha sabido explotar y de los cuales no se separara jamas, bajo ningún pretexto de innovación. Su composición será siempre de alto nivel, aparentemente fácil incluso en la complejidad.

Su música es siempre joven, sin angustia, ni contaminación

Toda su producción es fresca y serena, escribe el doctor Tomatis. Mozart es el más joven de los compositores y esta característica de juventud le da una calidad especifica a su expresión musical.

La música de Mozart es de todos los tiempos, de todos los momentos, y a pesar de estar marcada por la época es joven ante todo. Tiene el ritmo de un corazón que late como el de un niño, aun cuando Mozart se encuentre extenuado, al borde del aniquilamiento.

La producción de Mozart no es una invención en el sentido clásico del termino. Es la expresión de lo que es, de lo que él ha percibido y que nos transmite irresistiblemente. Su creación no está contaminada; es pura, sin alteraciones, sin búsqueda estética. En la última carta a su padre le escribe " ..todo esta compuesto, solo falta escribirlo".

Su percepción del mundo fue cadenciada al ritmo de su metrónomo cardiaco. Su corazón de niño marca las modulaciones de la expresión de su alma directa y simpáticamente conectada al logos musical.

En Mozart todas sus obras musicales están libres de tragedia y drama. Nos puede hacer vivir o sentir los sentimientos de dolor mas lacerante pero en todo momento lo trágico esta transformado, trascendido.

¿Pero, por qué Mozart ?

Porque Mozart tuvo una vida prenatal excepcional. Su madre, que vivió un embarazo feliz, impregnado de música y del amor de su marido - talentoso compositor -, le pudo transmitir al feto el deseo de nacer, de vivir y de comunicar con la misma fuerza que lo deseaba. Wolfang gozó de un entorno familiar y musical formidable, que le permitió codificar su sistema nervioso sobre ritmos fisiológicos verdaderos, universales, cósmicos, dice Tomatis. Esto le permitió ajustar su instrumento corporal a las modulaciones sentidas durante este periodo y su ritmo seguirá siendo el mismo aun cuando comience a hablar, a crear, a componer desde los cinco años hasta su muerte.

Mozart es una manifestación encarnada de la música, la trasciende. Tiene momentos de éxtasis - explica Tomatis - donde se lo ve en verdaderos estados de secreción, transpirando música, bajo la influencia de una especie de escritura espontánea que lo impulsa a proyectar todo lo que le invade. Aparece entonces como en un estado iniciatico que no puede rechazar por cuanto es una situación vital para él. Mozart canta con su ser - agrega Tomatis - . vive con él, se encuentra a su propia disposición a pesar de él mismo.

EFECTOS NEUROFISIOLÓGICOS DE LA MÚSICA DE MOZART

La música, una necesidad del sistema nervioso

La música es una necesidad, dice Tomatis. Favorece la cristalización de diferentes estructuras funcionales del sistema nervioso. Facilita la producción de energía ligada al estimulo del cerebro, indispensable para pensar. Ella abre el camino a la voz cantada y a la expresión corporal. "La música preexiste al lenguaje, por lo menos es mi convicción", continua. Ella toma a cargo el cuerpo en su totalidad afín de modelarlo en una arquitectura verbalizante. De la música nacen los ritmos y las entonaciones inherentes a los procesos lingüísticos.

Toda producción musical cualquiera sea el instrumento utilizado, cualquiera sea el modo de ejecución desemboca en el único instrumento receptor-productor que es el cuerpo humano. En el se inscriben las leyes armónicas. Y la música no puede ser escuchada si no esta en correspondencia con las posibilidades de integración del aparato corporal. Se requiere una puesta en correspondencia del instrumento cuerpo. Todas las potencialidades son inscritas en el aparato corporal, como lo son aquellas que se refieren a los lenguajes, de los cuales los diferentes parámetros dependen únicamente del uso que sepamos hacer de este.

¿Porqué nos gusta o nos desagrada una determinada música ?

Explica Tomatis: cuando una persona se encuentra sumergida en la música puede acusar dos comportamientos: o bien se entrega sin resistencia y su adhesión es total, es decir, está en concordancia, vibra con esa música; o bien manifiesta un rechazo vivido como un desinterés por falta de concordancia neurofisiológica, por falta de simpatía con la expresión del compositor.

Apreciar una obra musical es, en realidad, poder entrar en plena armonía con ella. Significa que nuestro cuerpo-instrumento está modelado, preparado fisiológica y culturalmente para integrar ese tipo música, para ejecutarla en sí mismo.

Apreciar a Chopin, por ejemplo, es vibrar con su expresión musical, como lo hace un instrumento afinado a las mismas resonancias; un laud por ejemplo. Las cuerdas se colocan en vibración reproduciendo a su turno un canto musical idéntico. Existirían también momentos donde la misma música no produciría ninguna vibración en nosotros, lo cual denotaría que a veces no estamos disponibles. En uno u otro caso se deduce también que somos o no receptivos en función de nuestro humor, porque la naturaleza humana es cambiante en ese dominio. Ciertos temperamentos serán -por afinidad electiva- siempre próximos del romanticismo de Chopin, así como su constitución de base será del mismo tipo, es decir, melancólica.

Toda expresión sonora que llega a ser musical marca un desarrollo en el tiempo. La música nos lleva a adoptar los movimientos que envuelven al músico durante su inspiración. Ella nos invita a usar las mismas cadencias que lo animaron durante su improvisación, a condición por supuesto que estas sean realizables rítmica y gestualmente por el auditor.

La música debe ser estudiada en relación directa con el sistema nervioso, porque indiscutiblemente sale de un sistema nervioso hacia otro sistema nervioso, donde el primero actúa como emisor y el segundo se comporta con un receptor. En este sentido el instrumento que mejor dominó Mozart, como ningún otro compositor, fue el cuerpo humano.

El sistema nervioso recibe el mensaje musical y se encarga de distribuirlo más o menos armoniosamente en el conjunto del cuerpo. El oído es el medio mas natural para efectuar estas operaciones.

La música, desde el punto de vista de su naturaleza, actúa por efectos de armonización interior, es decir, por explotación de los modos primitivos. La música suscita y estimula las modulaciones del sistema simpático hasta volverlos tangibles.

Las obras musicales por su parte, agregan a los modos de base del sistema simpático los ritmos de la vida exterior. Ritmos que son introducidos por la sociedad y la cultura, que van desde el gesto hasta el lenguaje y que tienen relación con toda la gestualidad. Los elementos folclóricos son reconocidos como los primeros generadores de este tipo de músicas.

Por ultimo, los lenguajes sonoros nos hacen revivir los estados emocionales, imbricando simultáneamente de una parte, los recuerdos sonoros percibidos y memorizados en los núcleos afectivos centro encefálicos que presiden la vida neurovegetativa y, de otra parte, los ritmos que llevan al cuerpo fuera de los códigos normalizados anteriormente.

De todo esto surge una estructura narrativa, una semiología sonora que se expresa en el cuerpo, con toda su dinámica externa e interna.

El oído, un dínamo del cerebro

Recordemos que el oído interno contiene en su vesícula laberíntica dos conjuntos de actividades aparentemente diferentes: el vestíbulo y la cóclea; pero que constituyen uno solo y un mismo órgano, que en el curso del tiempo se ha perfeccionado para responder a las nuevas actividades que ha debido asumir.

El vestíbulo - el mas arcaico de estos elementos - asegura la estática y la dinámica así como los movimientos de las diferentes partes del cuerpo. Todos los músculos sin excepción dependen de su actividad reguladora, incluso los músculos motores del ojo. Además, debido a los controles motores que debe realizar para mantener las posturas y la verticalidad, contrarrestando los efectos de gravedad, el vestíbulo aporta la mayor parte de las estimulaciones dirigidas al sistema nervioso.

En efecto, la fuerza de gravedad obliga permanentemente al cuerpo a mantener un verdadero dialogo con el medio ambiente. En consecuencia, mientras mejor es la verticalidad mayor es la estimulación nerviosa, mayor es la dinamización. El movimiento, la verticalidad y la carga cortical están así íntimamente ligadas.

Los sonidos recepcionados por los elementos del vestíbulo determinan las pulsaciones sincrónicas de los ritmos impuestos por la frase musical y producen la movilización de los líquidos en función de la importancia de esas pulsaciones. Mientras más se muevan mayores serán las contrareacciones musculares que se encuentran activadas, determinando así el movimiento, la marcha o la danza.

La función mas conocida de la cóclea es la de escuchar, es decir, recibir los sonidos, analizarlos y distribuirlos con el fin de integrarlos, memorizarlos y eventualmente restituirlos. Pero para que este aparato funcione óptimamente debe estar bien situado en el espacio. Para ello necesita actuar en perfecta coordinación con el integrador vestibular, que le asegure una postura vertical Toda esta regulación es posible gracias a los lazos neurológicos que existen entre la cóclea y el vestíbulo y los órganos sensorio-motores que regulan la posición del laberinto, es decir la cabeza, el cuello y además el instrumento corporal que se maneja de acuerdo a las respuesta vestibulares, previamente analizadas en el cerebelo.

Desde el punto de vista musical la cóclea permite el análisis de los sonidos y la integración de la música más allá del ritmo determinado por el vestíbulo. De esta manera el control del cuerpo se refuerza para que la organización coclear aumente sus potencialidades de análisis y de carga cortical. Y este es un punto muy importante para comprender la acción de los sonidos sobre la dinamización corporal.

Pero hay otra función que se ha descubierto del oído y que tiene relación con la generación de energía nerviosa. El oído se comporta como un dínamo y la mayor parte de la energía que necesita el cerebro proviene de la acción dinamogénica del aparato auditivo.

Un estudio realizado por científicos norteamericanos concluyó que el sistema nervioso humano necesita para alcanzar el nivel de vigilia (de conciencia) colectar 3 billones de estímulos por segundo por los menos cuatro horas y media por día. Mas del 90 % de esta carga de influjo nervioso la entrega el oído.

El integrador coclear tiene un campo de acción diferente al integrador vestibular porque se sirve esencialmente de los circuitos corticales, es decir, de una red concernida únicamente por el cerebro. No obstante hay que decir que una de las redes nerviosas que llega al cortex, específicamente a la zona de la memoria y del reconocimiento de la música, está ligada a otras redes nerviosas que reparten en dirección del cuerpo. Por esta razón, enfatiza Tomatis, podemos decir que la memoria no esta solamente en el cerebro, sino también corporizada, encarnada. El cuerpo recuerda los eventos vividos por la persona y particular aquellos inherentes a la música.

Toda esta actividad vestibulo-coclear, bien conocida por los zoologistas, permite vislumbrar ya los efectos del sonido en el conjunto del cuerpo humano.

Sonidos agudos de carga, sonidos graves de descarga

Entre los efectos relativos a la energetización del cerebro o del sistema nervioso, podemos distinguir sonidos de carga y sonidos de descarga.

Recordemos que en el aparato de Corti contenido en el oído interno, las células sensoriales no se distribuyen de la misma manera. La cantidad dependerá si la zona esta reservada a los sonidos graves, médium o a los sonidos agudos.

En la zona de los graves estas células son escasas (100). Son un poco más numerosas en la zona de los medios (500) y son muy numerosas en la zona de los agudos (24.000)

Los sonidos graves son fácilmente integrados en la zona de los sonidos de descarga, en particular aquellos que no contienen armónicos elevados. Sabemos con que fuerza los ritmos de los tambores que imponen estos sonidos graves llevan a las personas hasta el agotamiento total. Podríamos hablar de estados hipnóticos a través de los cuales la imagen del cuerpo se pierde en una exacerbación de la integración corporal vestibular sin utilización de la cóclea, que es el aparato responsable de la proyección cortical.

Los sonidos agudos constituyen en ciertas zonas, a ciertas intensidades y a ciertos ritmos, unos verdaderos generadores de energía. En esos casos la carga cortical sobrepasa de lejos el desgaste corporal y deviene, en cierta forma, energía positiva respecto de la Dinamizacion del conjunto del cuerpo.

Por otro lado, y debido a que la membrana timpánica está inervada por el nervio pneumogástrico, los sonidos agudos provocan la tensión del tímpano produciendo una disminución de la acción de este nervio en todo su territorio. En consecuencia, los órganos que podrían encontrarse perturbados por el estrés afectivo se distienden (laringe, pulmones, corazón, hígado, vesícula, riñones, intestinos, etc.). Y a la inversa, los sonidos graves no permiten que el tímpano se relaje provocando tensión en el pneumogastrico, cansancio y fatiga.

Los integradores neuronales, verdaderos distribuidores de sonido en el cuerpo

Según el doctor Tomatis, los integradores son redes neuronales sensitivo-sensoriales y motoras que aseguran las regulaciones y la coordinación de los movimiento y las posturas del territorio a cual son afectados. Son cibernéticamente autoregulados pudiendo alcanzar ciertas libertades funcionales tales como los automatismos.

Hay tres integradores pero solo dos de ellos, excluyendo el visual, están relacionados con los mensajes sonoros. Estos son el integrador vestibular y el integrador coclear. Ambos tienen como punto de partida el oído.

Estos circuitos neurológicos hacen intervenir diferentes redes sensitivas y motoras que constituyen verdaderos sistemas cibernéticos.

El sistema nervioso asociado al oído interviene permanentemente para regular los efectos de la música sobre el organismo. De esta manera estos integradores neuronales son vías funcionales obligatorias destinadas a distribuir los sonidos y a memorizarlos.

Se puede decir entonces que "el cuerpo no olvida". Ya sea se trate de lenguaje con toda la carga emocional involucrada o bien de mensajes musicales. En ambos casos las marcas persisten y manifiestan algún día su aprobación o su descontento. Habría mucho que decir sobre las consecuencias de estos fenómenos en el mundo psicosomático.

¿Satisface Mozart una necesidad de equilibrio neuronal ?

Todo ser humano normal o no, tiene la necesidad de encontrar una armonía en todos los niveles: corporal y psíquico. Esta armonía corporal y psíquica supone una coordinación homogénea, equilibrada y estética en verdadero sentido de la palabra. Y es en este plano donde encontramos el pleno sentido del efecto terapéutico de la música de Mozart.

Estos dos integradores neuronales (vestibular y coclear) son solicitados permanentemente y por la música de Mozart. Porque en una orquestación magistral, como lo son todas sus composiciones, ellos intervienen para optimizar la poderosa creatividad del hombre y darle toda la energía que necesita para estar plenamente consciente.

Mozart, un virtuoso del sistema neurovegetativo

El sistema neurovegetativo llamado en la antigüedad simpático, coordina toda la organización vegetativa. Tiene una función reguladora. Su puesta en resonancia con los ritmos biológicos evoca una similitud con algo... misterioso, sugiere Tomatis, porque este importante controlador de ritmos fisiológicos de base, tiene que estar querámoslo o no, conectado con algún emisor... tal vez en simpatía con el universo

Ciertas investigaciones relacionados con los ritmos de este sistema le confieren respuestas a fenómenos químicos, a demandas hormonales o a otras causas aun indeterminadas. Sin embargo los grandes ciclos a los cuales obedece y a los cuales nos invita a conformarnos deja entrever que el puesto de emisión no es otro que el cosmos mismo. Este tomado en una totalidad que apenas concebimos, regula, lo sabemos, no solo la vida celular en su constitución dinámica sino también toda la estructura orgánica concebida en su globalidad.

De hecho los ritmos fisiológicos reales nos aparecen como respuesta fenomenológica de un mecanismo biológico general en el cual todo vibra y todo respira , toda nace y muere, siguiendo un programa, del cual apenas entrevemos su desarrollo, y así escapa de nuestro entendimiento.

Dicho de otra manera, gracias al sistema neurovegetativo entramos en simpatía con el universo, que regula en nosotros los ciclos de los fenómenos de la existencia.: la reproducción, la nutrición, respiración, la circulación, la vigilia y el sueño. El mide nuestra carrera en el espacio sideral conformemente al tiempo que se nos ha acordado de vivir.

En esta aproximación poética del sistema nervioso todo es sonido, ritmo y cadencia. Tal vez la música encuentra aquí la trama de su existencia, sobre la cual funda su razón de ser. "Tengo todo para creerlo así", dice Tomatis.

El pneumogástrico: puente neurológico entre los ritmos del universo y los ritmos del medio ambiente.

El neumogástrico o sistema parasimpático es una inmensa red nerviosa que atraviesa todo el cuerpo inervando laringe, pulmones, corazón, vísceras, intestinos, etc. Su única emergencia exterior ocurre en el oído por la inervación de la membrana timpánica (por esta razón nos doblamos en cuatro cuando escuchamos un tiza crujir en la pizarra !)

Este nervio –dice Tomatis - constituye un puente neurológico que hace o debería hacer perceptible, a todos los niveles, la vida rítmica verdadera dictada por el universo y, de otro lado, la vida que nos impone el medio sociocultural.

Sin embargo, la saturación precoz de este nervio en el plano de la información neuronal hace que estos puentes pierdan su eficacia, dejándonos en la oscuridad sensorial, o sea sin poder percibir la vida rítmica del universo y de nuestro entorno.

Por las mismas razones, este nervio que los antiguos llamaron genialmente el <vago>, introduce una respuesta negativa frente a los mensajes subyacentes expresados por el simpático, es decir, la angustia. Y esta, como es sabido- inhibe la acción del sistema simpático provocando los signos asociados: palidez, sudoración, taquicardia, dificultad respiratoria, dolores epigástricos, sensación de vacío estomacal, vértigos, etc.

La estrategia utilizada actualmente contra el estrés está directamente relacionada con la actividad del nervio pneumogástrico el cual, en paralelo con el simpático, rige el universo neurovegetativo.

La piel, un pedazo de oído diferenciado

La piel es un pedazo de oído diferenciado, explica Tomatis, contrariamente a lo que se enseña habitualmente. Y esto porque las investigaciones permiten suponer que los aparatos cutáneos receptores son el resultado de adaptaciones de las células de la línea lateral de los peces inferiores. Estas células darían entonces origen a las células de Corti y a las células de los aparatos táctiles cutáneos, verdaderos elementos de adaptación a la vida aérea de esta excepcional célula primaria.

Tomatis atribuye al oído una autonomía tal que lo presenta como un órgano esencial; como el primer órgano constituido y operacional, anterior a la formación del sistema nervioso autónomo, y este ultimo dependiendo también del oído.

Todo lo que vive vibra

"Todo lo que vive vibra", nos explica el doctor Tomatis. Todo lo que se organiza para alcanzar una participación reflexiva frente a la vida, manifestada por los ritmos, los ciclos y las secuencias, se orienta a la elaboración de un sistema nervioso. Y todo demuestra que la actividad de este sistema depende del numero de estimulaciones que reciba.

El metabolismo asegura solo la mantención vegetativa. Pero cuando el sistema nervioso, base de la dinámica reflexiva, se desarrolla a su máximo nivel, entonces emerge la conciencia, "como una emanación embriológica", dice Tomatis.

El hombre se presenta para Tomatis como un gran oído atento y sensible a los cambios sonoros del medio ambiente y a la vez, le permite ponerse en resonancia con el mismo medio, a nivel de la escucha.

Todo lo que vive emite, de alguna manera y en el sentido mas ontológico del termino, su propia secuencia vibratoria, su propia música. Y la misma música cuando retorna produce una acción particular sobre esta materia viviente, ya sea activando o vivificando, ya sea estimulando o inhibiendo las funciones fisiológicas vibratorias existentes.

EL ANALISIS ESPECTRAL DE LA MUSICA DE MOZART

Tomatis presenta varios gráficos denominados espectrogramas realizados sobre diferentes obras de compositores (Mozart, Salieri, Beethoven, Bach, Haydn, Wagner y Cantos Gregorianos). El procedimiento permitió revelar características bien especificas y significativas de cada uno de ellos.

En los gráficos el eje de las X (abscisa) indicaba el desarrollo en el tiempo en milisegundos, mientras que el eje de las Y expresaba las frecuencias desde los graves hacia los agudos hasta los 10 kHz. El negro señala la presencia de sonido, el blanco la ausencia. Las rayas verticales representaban la diferencia de tiempo entre dos notas.

En Mozart (por ejemplo, en Exultate, Jubilate KV.165) la diferencia de tiempo entre una nota y la otra es de 0.5 segundos, es decir acordes tocados a la negra sobre un compás de 4 tiempos. Un espacio de 0.5 segundos equivalente a 2 segundos por compás, es decir 120 negras por minuto, o sea un tempo de 120. Esto en cuanto la velocidad de ejecución.

En cuanto al espectro frecuencial, la música de Mozart se reconoce sistemáticamente por características bien especificas que no se encontraron en ningún otro compositor.

En primer lugar, el aspecto bien desligado de la frase musical ofrece un pasaje fluido, que no traduce ningún signo de monotonía. Y esto se constató en cualquiera obra examinada.

En segundo lugar, la gran movilidad de los tejidos armónicos (gerbes sonore) contribuyen a asegurar la característica particularmente vivaz y a menudo "juguetona" (enjoué) de las composiciones mozartianas.

Por ultimo, la constante base rítmica subyacente inscrita en un tiempo permanente, verdadero substrato de una batido cada 0.5 segundo, determinan de esta manera una modulación de 120 pulsaciones por minuto. Esta modulación puede ser identificada de manera sistemática y se la puede encontrar en cualquiera muestra mozartiana que se escoja.

En el análisis de un Motette de A. Salieri, el contemporáneo mas implicado en la vida musical donde evolucionaba Mozart, se encontró una modulación de base mas anárquica, menos fluida y que presentó en el espectrograma, de manera discontinua, distancias de 0.7 segundos, lo cual le imprime un ritmo de fondo mas lento y menos sostenido.

El análisis del comienzo de la Sinfonía Nº 5 de L.V.Beethoven revelo un ritmo de fondo basados sobre 0.8 segundos.

En el análisis de Bach, Tomatis explica que los espectrogramas dejan en evidencia su estructura propia, intelectualizada. Agrega, que un paralelo diferencial entre una Variación Goldberg y un concierto de Mozart son suficientes por si solos para revelar las divergencias a nivel de ritmos.

Por el contrario, el único músico citado en este estudio que habría tenido la noción de lo que era la armonía fundada sobre bases fisiológicas fue Haydn. Basta ver, dice Tomatis, el espectro que resulta de la Sinfonía Nº 30 en DO mayor (alleluia, allegro), para ver hasta que punto Haydn llegó a aproximarse de la realidad mozartiana. Su reencuentro con el joven compositor fue para él una revelación de la veracidad de su búsqueda. Una sola diferencia se aprecia que tiene relación con una modulación de base centrada en 0.4 segundos.

Finalmente el análisis de un canto gregoriano de Solesmes, caracterizado por el hecho que no existe nada parecido en las músicas clásicas habituales. Su ritmo de base es lento y tranquilo. Sus rebotes internos en volutas salen de lo común. Ellos se suceden en ritmos y en intervalos regulares que se renuevan periódicamente cada 4 segundos, al interior de las cuales se perciben pulsaciones a cada segundo, o sea 60 pulsaciones por minuto. En otras palabras, Mozart dividido por dos.

"Doscientos años han pasado después de la desaparición de este gigante de la música, sin embargo su presencia crece como una realidad profética que se confirma con el tiempo. Mozart, el iniciador de las generaciones del futuro, permanecerá sin duda vigente por largos decenios mas".

* * *

Nota: Todas las ideas expuestas corresponden a extractos del libro "Pourquoi Mozart" de Alfred Tomatis (1991) y han sido traducidas e interpretadas por Fernando Nuñez.

La experiencia de Gerard Depardieu.

Uno de sus pacientes más conocidos fue Gerard Depardieu, el actor de cine. Hoy los espectadores conocen a un Depardieu que habla con una voz cálida y agradable, pero a mediados de los sesenta era un joven cohibido al hablar y que soñaba con ser un actor famoso. El hogar de Depardieu presentaba muchas dificultades familiares, él no había terminado sus estudios, tenía problemas consigo mismo, y era tartamudo. Aunque no lo crea... sí, tartamudo. Lo peor de todo es que cuanto más se empeñaba en hablar, más empeoraba su tartamudez. Hecho bastante frecuente, que prueba el efecto de la ansiedad sobre este problema.

Un profesor de arte dramático le sugirió que fuera al Centro Tomatis en París, donde conoció a Tomatis, el cual diagnosticó que la causa de las dificultades vocales y de memoria de Depardieu residían en profundos problemas emocionales y le dijo que podía ayudarlo. Depardieu le preguntó en qué consistiría el tratamiento, a lo cual Tomatis le respondió: “Durante las próximas semanas, quiero que venga aquí todos los días, durante dos horas, a escuchar a Mozart”. “¿Mozart?”, inquirió Depardieu, intrigado. “Sí, Mozart”, respondió Tomatis.

Bien, después de sólo algunas sesiones Depardieu comenzó a experimentar cambios positivos en su vida diaria (mejor apetito, dormía mejor, sentía más energía, comenzó a hablar con claridad). A los pocos meses Depardieu volvió a la escuela de teatro con una nueva confianza en sí mismo, y un nuevo equilibrio, y siguió así hasta convertirse en uno de los mejores actores de su generación.
“Antes de Tomatis”, dice Depardieu, reflexionando, “no podía decir ni una oración completa. Me ayudó a dar continuidad a mis pensamientos, y me dio el poder de sintetizar y comprender lo que pensaba”.

eldalai
Fuentes:
http://www.tomatis.com/Spanish/index.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Tomatis
http://fernandolinares.blogspot.com/
http://www.tomatis.cl/efecto_mozart.htm



Música y Salud I: El Efecto Mozart


¿ Quieres volverte 10 minutos más inteligente ?

En 1993, la psicóloga Frances Rauscher y el neurobiólogo Gordon Shaw de la Universidad de Wisconsin describieron que la exposición de 36 estudiantes durante 10 minutos de la sonata para dos pianos en re mayor K.448 tenía efectos positivos en las pruebas de razonamiento espacio temporal. Este efecto duraba unos 10 minutos. Publicado en la revista Nature

Sabes inglés y te interesa el tema puedes ir a la página de la psicóloga Rauscher y acceder a los estudios publicados por ella.

La noticia corrió como la pólvora por todo el mundo con titulares como "Mozart puede aumentar la inteligencia de su hijo". El estudio original de Nature no sólo no se había hecho con niños sino que había encontrado un aumento temporal y muy modesto del Coeficiente de Inteligencia de unos estudiantes universitarios.

Aparecieron CD con títulos como «Barroco para su bebé» o «Mozart para papás y mamás», mientras los propios autores del estudio no daban crédito a sus ojos. En 1998, en el Estado de Georgia, Estados Unidos, se empezaron a entregar CD de Mozart a todos los padres con niños pequeños. Más tarde se siguió el mismo ejemplo en otros lugares. Se organizaron conciertos para bebés y se dispararon las ventas de Mozart.

Dice que la música de Mozart es buena para corregir unos cincuenta problemas, entre ellos: el dolor de cabeza, de espalda, el asma, la obesidad, el alcoholismo, la epilepsia, la esquizofrenia, las enfermedades del corazón, el bloqueo del escritor, el sida, .... y que sirve para otros menesteres como hacer un mejor vino, un pan más sabroso o para mejorar el sabor de la cerveza.

En 1999, se vertieron sospechas sobre el famoso estudio. Una revisión de 16 trabajos realizados posteriormente a su publicación —con un total de 714 voluntarios— reveló que ninguno de ellos había logrado reproducir los resultados. El autor de esta revisión, Christopher F. Chabris, del Massachusetts General Hospital y Harvard Medical School, dijo que el aumento de la habilidad para realizar esas tareas era «estadísticamente insignificante» y que no debería verse como «un fármaco intelectual milagroso».

Muchas publicaciones se hicieron eco. La CNN tituló: «Mozart es agradable, pero no aumenta el Coeficiente de Inteligencia». Uno de los autores del estudio original, Frances Rauches, estaba de acuerdo con sus críticos. Declaró que ellos nunca habían dicho que Mozart sirviera para aumentar la inteligencia de los niños. «Estoy horrorizada y muy sorprendida por todo lo que ha pasado. Es un salto gigante pensar que si una música tiene efectos a corto plazo en estudiantes universitarios va a hacer que los niños sean más listos. Cuando publicamos los resultados, pensamos que nadie iba a hacer caso. Todo el asunto se ha ido completamente de las manos».

....-Que lástima, siempre los Refutadores de Leyendas (Dolina Dixit) haciendo de las suyas -

Pero porque no hacer su propia experiencia, no se si nos volveremos 10 minutos más inteligentes, pero de los que estoy seguro de que escucharemos una obra que llegará a nuestro corazón con las melodías sencillas, la riqueza armónica y el legado de un gran genio de la humanidad como Wolfgang Amadeus Mozart.

Por eso aquí les dejo La Sonata en Re Mayor para 2 Pianos KV 448 compuesta por Mozart en Noviembre de 1781 en Viena e interpretadas por los pianistas Ingrid Haebler y Ludwig Hoffmann

I. Allegro con Spirito:

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II. Andante

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III. Allegro Molto

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Fuentes
http://kindsein.com/es/3/10/157/
http://es.wikipedia.org/wiki/Efecto_Mozart
http://estimulacionydesarrollo.blogspot.com/2007/03/el-efecto-mozart.html

martes, 25 de agosto de 2009

Versiones II: Gabriel's Oboe / Nella Fantasía


La Misión es una película que obtuvo el premio Óscar de Hollywood a la mejor fotografía y nominada para otros 6, incluida a la Mejor Película y al Mejor Director. Igualmente se alzó en el año 1986 con la Palma de Oro del Festival de Cannes.

El guión está basado parcialmente en hechos verídicos sobre las guerras guaraníticas, que los Jesuitas y los indígenas guaraníes libraron contra los Bandeirantes, al servicio del imperio portugués. La orden de la Compañía de Jesús evangelizó y educó a los indios guaraníes, construyendo "comunidades civilizadas", durante 100 años, que hoy ocupan territorios de Paraguay, sur del Brasil, parte de Argentina y parte de Bolivia (exactamente en la zona de Santa Cruz), pero luego fueron expulsados por presión del Imperio portugués, en 1767, quien codiciaba los ricos territorios ocupados por estos, y que el Imperio Español les había cedido por el tratado de Madrid en 1750. Las Misiones Jesuíticas fueron literalmente borradas del mapa y sus habitantes asesinados y deportados como esclavos al Brasil. Los jesuitas nunca pudieron volver a ese territorio.


Al maravillarse los guaraníes al escuchar al Padre Gabriel (Jeremy Irons) ejecutar una bella melodía en su oboe es aceptados por ellos crea la misión de San Carlos (una reducción jesuítica). Con él se lleva a Rodrigo Mendoza (Robert de Niro), un arrepentido traficante de esclavos que había asesinado a su hermano en un duelo en Asunción. Gabriel quiere convencer al cardenal venido de Europa de que los españoles no traspasen el territorio de las misiones a los portugueses, dado que estos esclavizarán y destruirán las misiones.

Son de esas películas en la que uno sale indignado con las miserias de la condición humana

La Banda de Sonido es del Genial Ennio Morricone compositor Italiano creador de innumerables bandas de sonido entre ellas la de Cinema Paradiso, La Misión y La Califa.

La Banda de sonido de La Misión es bellísima, como por ejemplo el Ave María Guaraní, el Te Deum o el Miserere . Pero la melódia que quiero mostrarle es la que ejecuta el padre Jesuita con su oboe.

Bajo el título Gabriel's Oboe suena esta melodia:


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Esta bella melodía se va repitiendo en otras partes de la banda sonora pero destaco estas dos:

The Mission (La Misión):

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Y On Earth As It Is In Heaven ( Sobre la Tierra como si estuvieramos en el paraiso):

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I. A simple rose among thorns (Una simple rosa entre espinas):

La cantante portuguesa Dulce Pontes y el compositor italiano Ennio Morricone se conocieron en 1996, mientras ella grababa un tema para la banda sonora de la película Sostiene Pereira. Quedaron para trabajar juntos en el futuro. Ocho años más tarde, se cumple la cita con Focus, un álbum en el que ella pone la voz y él la música, que recoge canciones de diferentes bandas sonoras del maestro Morricone e incluye cinco nuevas piezas, escritas especialmente para el disco.
El disco, grabado en Roma, es una representación de la obra de Ennio Morricone en sus más de cuarenta años de carrera musical, desde el periodo de su colaboración con el director Sergio Leone, representado por dos canciones, Your Love y O Amor A Portugal de la película Once Upon In The West (Hasta que llegó su hora, 1969), hasta La Luz Prodigiosa (2003) con letras tomadas de poemas de Federico Garcia Lorca.

La selección de canciones incluye temas como A Rose Among Thorns (La misión, 1986), el tema de amor de Cinema Paradiso (Cinema Paradiso, 1988), No Ano Que Vem (Maddalena, 1971) o La Balada de Sacco y Vanzetti (Sacco y Vanzetti, 1975), compuesta originalmente junto a Joan Baez, Barco Abandonado (Per Le Antiche Scala) o La Luz Prodigiosa (La Luz Prodigiosa, 2003).

Focus es una obra de madurez y plenitud, de ambos músicos. De impecable orquestación, la voz fadista, voz de tristeza atlántica, de Pontes se supera a sí misma con notas que rozan la perfección. Escuchando esta obra nos encontramos, al tiempo, con una reescritura de la música que ha dado la fama a Morricone, pues no se trata, en nuestra opinión, de una «adaptación» de las partituras originales, sino una creación individual, original, que ofrece un espléndido recorrido sonoro por la música de nuestro tiempo.


El tema "The Mission" es transformado en "A Rose Among Thorns" siendo la letra del tema el siguiente:
From a simple prayer / Desde una simple oración
That began as a whisper in a quiet place / Que comenzó como un susurro en un lugar tranquilo
A dream can inspire the world / Un sueño puede inspirar al mundo
A voice echo far away / Una voz de eco lejano
The wind can take our thoughts / El viento puede tomar nuestro pensamientos
From the wasteland where we walk / Desde el desierto por el que caminamos
Into a pure land / Dentro de una tierra pura
As heroes proudly stand / Como Héroes orgullosamente de pie
Like a rose among thorns / Como una rosa entre las espinas

From a simple act / Desde un simple acto
That began in the corner of an unlit place / Que comenzó en la esquina de un lugar oscuro
A vision embraces the world / Una Visión abraza el mundo
A million candles blaze / un millon de velas brillan
We rise above ourselves / nos elevamos sobre nosotros mismos
With a dignity somehow / con dignidad de alguna manera
Reach that Promised Land / alcanzar la Tierra Prometida
As heroes proudly stand / Como héroes orgullosamente de pie
Like a rose that grows / Como un rosa que crece
In spite of it all / a pesar de todo
A simple rose among thorns / Una simple rosa entre espinas

In every lifetime we find a heart / En cada vida nos encontramos con un corazón
That lights a spark in the eyes of the weary / Que se enciende una chispa en los ojos de los cansados
Who can lead me to a greater love / Quién me puede dar lugar a un amor más grande
Show there's good in us / Demuestra que es bueno en nosotros

Me parece una versión excelente aquí pueden escucharla:



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II. El encanto de los instrumentos Andinos.

Mike Taylor y Tony Hinnigan llegaron a Londres en 1972 desde Belfast y Glasgow respectivamente. Cursaron sus estudios en el Royal College of Music. En 1981 se les encargó escribir algo de música Andina para dos presentaciones en un espectáculo llamado Ghost Danzas, al investigar este tipo de música quedaron enamorados por la acústica de los instrumentos utilizados como sikus (más conocida como flauta de pan), quenas, charangos y bombos. Y le fue ofecido un contrato de grabación.
En 1982 ya con el nombre de Incantation realizan su primer album llamado "On The Wing os A Condor" vendiendo más de 300.000 copias, a los que le siguieron discos como "Dance of The Flames(1983)", Virgins of The Sun (1984), Panpipes of The Andes (1986) y The Meeting(1987). En este último disco la pista 6 corresponde a una versión con instrumentos andinos de "On Earth as it is in Heaven" que pueden escuchar a continuación.


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III. En mis Fantasías / Nella Fantasia

Nella fantasia io vedo un mondo giusto, / En mis Fantasias yo veo un mundo justo
Li tutti vivono in pace e in onestà. / Donde cada ser vive en paz y honestidad
Io sogno d'anime che sono sempre libere, / El sueño de las almas que son siempre libres
Come le nuvole che volano,/ como las nubes que vuelan
Pien' d'umanità in fondo all'anima. / llenas de humanidad en lo profundo de sus almas

Nella fantasia io vedo un mondo chiaro, / En mis Fantasias yo veo un mundo claro
Li anche la notte è meno oscura. / Donde cada noche es menos obscura
Io sogno d'anime che sono sempre libere,/ Yo sueño que las almas son siempre libres
Come le nuvole che volano./ Como las nubes que vuelan

Nella fantasia esiste un vento caldo, / En mis Fantasias existe un viento cálido
Che soffia sulle città, come amico./ Que sopla sobre la ciudad, como un amigo
Io sogno d'anime che sono sempre libere,/ Yo sueño que las almas son siempre libres
Come le nuvole che volano,/ Como las nubes que vuelan
Pien' d'umanità in fondo all'anima./ llenas de humanidad en lo profundo de sus almas

Es la letra mas interpretada de las versiones cantadas de Gabriel's Oboe


Sarah Brightman en 1999 bajo el sello Angel Records graba su disco Eden ( en mi preferencia el que más me gusta) donde interpreta Nella Fantasía con su dulce y lírica voz


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Paul Potts, un ex vendedor de teléfonos móviles en Port Talbot, al sur de Gales, nacido en Bristol (Reino Unido) el 13 de octubre de 1970 cuya vida comenzó de nuevo el 4 de marzo de 2007. Ese día, Potts ganó el concurso Britain’s Got Talent e inmediatamente su figura cantando Nessun dorma estaba en YouTube para convertirse en uno de los vídeos más vistos de la historia con 74 millones de visitas y dar impulso a una de las carreras más fantásticas de los últimos tiempos. Con su primer álbum, Paul Potts ha vendido más de 3,5 millones de ejemplares, consiguiendo 27 Discos de Platino en todo el mundo. También en su primer album "One Chance" interpreta una versión de Nella Fantasia que se escucha a continuación.




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Chloë Elisabeth Aislinn Moira Agnew es una cantante irlandesa que ganó fama por su participación en el grupo musical "Celtic Woman",en 1998 a los 9 años representando a Irlanda fué la vencedora del "Gran premio del primer festival Internacional de Música Infantil) en El Cairo, Egipto. En su album "Walking in the Air" presenta una versión etérea (algo característico de su voz) de Nella Fantasía.




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Il Divo es un grupo internacional de ópera-pop creado por el productor musical Simon Cowell para la discográfica Sony BMG. La idea de formar un grupo de estas características surgió en la mente del productor musical Simon Cowell tras escuchar la canción Con te partirò interpretada por Andrea Bocelli y Sarah Brightman.
Así es como en 2001 decidió formar un cuarteto multinacional de jóvenes talentos que conjugasen la voz y el aspecto físico y que intentaran sonar como Los Tres Tenores.
Después de haber viajado por 17 países, en el 2003 termina su casting cuando David Miller es el último en firmar el contrato. Los elegidos fueron el español Carlos Marín, el francés Sébastien Izambard, el estadounidense David Miller y el suizo Urs Bühler.
Así nace Il Divo, un grupo destinado al público internacional que arrasó en las listas de ventas con su primer sencillo "Regresa a mí".
Su primer álbum, titulado Il Divo al igual que el grupo, fue un éxito de ventas primero en Gran Bretaña y luego en el resto de Europa.
Contiene versiones de grandes temas como My Way (A mi manera) de Paul Anka y hecha famosa por Frank Sinatra, Un-Break My Heart (Regresa a Mí) de Toni Braxton y una adaptación del tema de Ennio Morricone titulado Gabriel's Oboe para la película La Misión, así como varias canciones en español, italiano e inglés incluyendo la ganadora del Festival de San Remo de 1994, "Passerà".



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lunes, 24 de agosto de 2009

Alegretto Séptima Sinfonía - Anexo I


VII. Sacris Solemnis:
Libera es un grupo vocal infantil dirigido por Robert Prizeman. Su nombre proviene de su canción "Libera", que se basa en el "Libera me" de la Misa de Requiem ("Libera" significa libre en latín). La mayoría de los niños de Libera proceden del coro de la parroquia de St. Philips, Norbury, en el sur de Londres. Además de los álbumes, giras y apariciones en televisión, los chicos de Libera forman parte, junto con adultos, del coro parroquial. Libera cuenta aproximadamente con treinta niños, entre las edades de siete y dieciséis años, incluyendo a los muchachos nuevos que todavía no están preparados para participar plenamente en discos o giras. Diecinueve niños participaron en su visita a EE.UU. en 2008. Veinticuatro niños cantan en su último álbum, New Dawn. Los niños proceden de diversas escuelas de Londres.

En este caso el Allegretto aparece en una forma coral y etérea debido a la belleza de las voces blancas, es una muy bonita versión en su álbum "Luminosa". Como texto utilizan partes de el Himno al Santísimo Sacramento Cantado en Latín.

Sacris solemnis Juncta sint gaudia / Sumando nuestro gozo al de esta fiesta
Corda et voces et opera / Corazones, acciones y palabras
Recedant vitera nova sint omnia / Y que todo lo viejo se renueve:
Sacris solemnis gaudia. / Sagrado solemne gozo
Te trina Deitas unaque poscimus./ Oh Deidad trina y tina: te rogamos
Sacris solemnis gaudia./ Sagrado solemne gozo

Corda, Voces opera /Corazones, acciones y palabras
Lucem ad inhabita / Claridad que habitas

Puedes disfrutarlo escuchándolo aqui




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Fuentes:
Wikipedia
Página Web de Libera

PD: En este momento 24/08/09- Zubin Metha y la Filarmónica de Israel están tocando la Sépitima Sinfonía en el Metropolitano en Rosario. Un gran evento para Rosario porque es la primera vez que viene este director.

sábado, 22 de agosto de 2009

Versiones I: El Allegretto de la Séptima Sinfonía de Beethoven


La Música de Beethoven es una de las más espirituales que existen, son la expresión de un alma llena de ideales, de un Héroe-Artista, su música se comprometió con lo hechos de su tiempo, según el "La música es una revelación más alta que cualquier filosofía" y es muy difícil que alguien no se conmueva ante sus composiciones.

La Séptima Sinfonía ,Beethoven comenzó a componerla en el verano de 1811 y la terminó un año después, se estrenó el 8 de Diciembre de ese mismo año en un concierto celebrado a beneficio de los heridos austriacos de la batalla de Hanau, ocurrida el 30 de octubre, apenas un mes antes. El propio Beethoven dirigía la orquesta y estaba llena de músicos de cualidades ilustres, tales como Spohr, Meyerbeer, Moscheles, hasta Antonio Salieri (El supuesto archienemigo de Mozart) se encontraban en la orquesta. La pieza fue muy bien acogida por la crítica del momento y el allegretto tuvo que ser repetido el día de su estreno.

I. El Allegretto:

En este movimiento se reflejan las características fundamentales de la música de Beethoven: nunca compuso grandes melodías, ni falta que le hizo; su creatividad se hallaba en los pequeños motivos, y el trabajo se desarrollaba en la armonía, el contrapunto, y en la repetición y variación de los motivos. En este Allegretto la melodía es una mera espectadora de lo que ocurre a su alrededor, es armonía, es una línea que juega al contrapunto con las demás voces. Se encuentra en todo momento —salvo en el clímax— en una posición intermedia: siempre hay instrumentos más graves e instrumentos más agudos sonando a la vez haciendo lo verdaderamente importante. Porque la melodía queda en anécdota cuando uno se da cuenta de la fuerza de la base, esos acordes lentos, bajo un patrón rítmico implacable, con esa armonía que te lleva en volandas.

Aquí puedes escucharlo interpretado por la Chamber Orchestra of Europe bajo la Batuta de Nikolaus Harnocourt:




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II. La Transcripción al Piano de Franz Lizst:


Durante casi toda su carrera como pianista admirado por el público, los programas de concierto de Liszt se ajustaban en líneas generales a lo que era habitual entonces: participaban varios solistas y una orquesta estaba siempre a mano para acompañar a los cantantes e intervenir en los conciertos instrumentales, o bien ocasionalmente podía interpretar alguna obertura. Las intervenciones a solo de Liszt solían ser sus obras favoritas de siempre, como su Grande Valse di bravura (1836), el estudio de “La Campanella”, y sus fantasías sobre melodías operísticas de “Robert le Diable” o la “Niobé” de Pacini. Pero pronto empezó a introducir en su repertorio concertístico tipos variados de transcripciones pianísticas. Realizó versiones para piano de diversos lieder de Beethoven, Schubert y otros compositores. En un concierto celebrado en diciembre de 1836 interpretó su ingeniosa adaptación para piano de dos movimientos de la “Sinfonía fantástica” de Berlioz. Esta obra supuso un intento más de hacer que el piano solista en sus manos se convirtiese en un auténtico rival de la orquesta. Durante los años siguientes crearía una verdadera avalancha de transcripciones de este tipo y en este sentido deben entenderse sus versiones de todas las sinfonías de Beethoven, “Harold en Italia” de Berlioz, y las oberturas de “Guillermo Tell”, “Oyeron”, “Der Freischütz” o el “Tannhauser” de Wagner a modo de gigantescas obras para piano. Finalmente Liszt dio un paso sin precedentes: poner fin a la intervención de la orquesta o de otros solistas en sus conciertos.


Cyprien Katsaris (nacido el 5 de mayo de 1951 en Marsella, Francia) es un pianista y compositor franco-chipriota. Su técnica destaca por su virtuosismo (se dice que de los mayores virtuosos del piano vivos), pero sobre todo, por su suavidad y su sensualidad. Trabajador infatigable, se interesa por todas las obras y músicos en su haber pianístico. Interpreta obras pertenecientes un largo espectro temporal, que va desde Bach hasta Prokofiev, si bien la ejecución de obras posteriores a este último son menos frecuentes. También se puede resaltar su predilección para las transcripciones, pues grabó las correspondientes a las nueve sinfonías de Beethoven (transcritas por Franz Liszt), entre muchas de otras transcripciones de Johann Sebastian Bach o Wolfgang Amadeus Mozart. De la mano de él escucharemos esta versión del Allegretto.


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III. Tierra & Libertad:


Amici Forever es un Grupo de cuatro cantantes líricos que fusionan Música clásica con Música Pop genero denominado "Classical Crossover". Está compuesto por: Lucy Van Gasse (Soprano Inglesa), Tsakane Velentine (Soprano Sudafricana), David Habbin (Tenor Inglés) y Bruno Santino (Barítono Brasilero).En su Album "DEFINED" del 2005 interpretan el tema "Land & Freedom (Terra e Libertad)" una versión muy poderosa y bella del Allegretto de Beethoven

Aquí les dejo la traducción de la letra de esta canción, cantada en italiano.


Tierra Lejana
Libertad que no vuelve más
Con toda el alma
quiero retornar allí
Se eleva un canto
Liberado desde lo profundo
Voz de un sueño
Que por siempre vivirá.

Tierra Perdida
Libertad eres solo tú
Tu eres la música
La poesía de la juventud
De oro y de plata
Tu recuerdo me ilumina
En esta oscuridad
Sin tu cobijo

Inexorablemente
Retorno a ti con el corazón y la mente
Esperanza que ahora no muere
De Volver
Volveré

Donde hay fuego, la lluvia caerá
Donde hay oscuridad, la luz vendrá.
Tierra y Libertad
Cantante
Por este tiempo
De Dolor y de Crueldad

Tierra Lejana
Libertad que no vuelve más
Con toda el alma
quiero retornar allí
Se eleva un canto
Liberado desde lo profundo
Voz de un sueño
Que por siempre vivirá.

Tierra Perdida
Libertad eres solo tú
Tu eres la música
La poesía de la juventud
De oro y de plata
Tu recuerdo me ilumina
En esta oscuridad
Sin tu cobijo

LIBERTAD!


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IV. Hijo Perdido ( Parte I):


Sarah Brightman nació en Berkhamsted, Hertfordshire, Inglaterra, aunque de pequeña quizo ser bailarina, el destino la llevaría a ser cantante, comenzó como vocalista en un grupo Pop, pero luego conocería a Andrew Lloyd Webber de quien sería pareja por un tiempo y sería la protagonistas de comedias musicales como Cats, El Fantasma de la Ópera y sería la vocalista femenina del Requiem de Webber gracias a lo cual ella obtuvo la nominación al Grammy a Mejor nueva artista de música clásica y el papel principal en la opereta The merry widow en la New Sadler’s Wells Opera. Luego de separarse de Webber comienza su carrera como solista obtuviendo un gran exito y reconcimiento del público. Luego publica discos como "Diva", "Time To Say Goodbye"(donde canta a duo con Andrea Bocelli), "Eden" y en año 2000 "La Luna"
En este trabajo se encuentra el tema "Figlio Perduto" un arreglo del Allegretto de Beethoven y Letra de Chiara Ferrau. Que puedes escuchar a continuación.




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V. Hijo Perdido ( Parte II)


Incanto es un duo Argentino ( Que emoción) formado por la Soprano Valeria Mangano y su esposo el Barítono Pablo Balestri radicados en la ciudad de Bahía Blanca. En el año 2007 lanzan su primer trabajo discográfico bajo el nombre Incanto, titulado “el Destino que soñé”. Dicho trabajo incursiona en el estilo de Opera pop, genero dado a conocer por artistas como Emma Shapplin, Andrea Bocelli, Sarah Brightman, Il Divo, y a su vez establecen su sello personal a este estilo. “el Destino que soñé” incluye desde temas compuestos por el dúo y varios hits como “por ti volare” y “vivo por ella” entre otros. Donde nos encontramos con la versión en castellano del tema cantado por Sarah Brightman.

Si quieres saber mas de ellos puedes ir a http://www.in-canto.com.ar

El Texto es el siguiente:

Muere el viento
Noche Serena
Padre e hijo juntos están

Con un Caballo
Van avanzando
En esta inmensa oscuridad.

Mas en un viaje
El niño tiembra
De frio y miedo
Partido está

Padre o Padre
Tu no has visto
Los duendecillos
Yacen allí

Hijo perdido
Quieres volar
Vuela a encontrarme
Con migo ven

Padre o Padre
Ya has oído
Lo que me dicen
Que debo hacer?

Hijo perdido
Si tu no vienes
Usaré toda la fuerza que tengo

Padre o Padre
Los duendecillos
Me está tocando
Me hacen mal

Y el niño
Con ojos cerrados
Ya no se mueve
Perdido está




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VI. El Allegrettango.

Adiemus es el título de una saga de discos del compositor galés Karl Jenkins. Cada disco de Adiemus es una colección de piezas con la duración de una canción en la que se presentan voces melódicas armonizadas con una orquesta como acompañamiento. No hay letra en las canciones, sino que los cantantes recitan sílabas y palabras inventadas por el compositor. Sin embargo, en vez de llamar la atención a base de patrones de fonemas, el lenguaje de Adiemus está cuidadosamente estilizado a fin de no distraer la atención del oyente del timbre y el tono de la voz; por ejemplo, lo mismo que sucede con los idiomas africanos, las sílabas que terminan en consonante son inusuales. El concepto central de Adiemus es que la voz tendría que funcionar como un simple instrumento musical.
En el año 2003 se realiza el disco Adiemus V: Vocalise que en contraste con los trabajos anteriores algunos de los temas son arreglos o variaciones de obras de música clásica, como el caso del Allegrettango con la participación de Terry Barber como contratenor y la aparición de un hermoso bandoneón.



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Espero que hayan disfrutado de esta hermosa música y si conocen otra versión no dejen de avisarme.

A Modo de Presentación

Mis más cordiales saludos a todos los navegantes que desembarquen en esta pequeña isla que es mi Blog de Música, en este lugar comparto la música que me gusta, después de todo cuando hay algo que nos llena el alma nuestra tendencia es compartirla con los otros. Aqui encontrará, Música Clásica, Cantantes con bellísimas voces, pero seguro que alguna otra cosa más.
Espero que encuentres este lugar hospitalario y agradable como para dedicarle parte de tu tiempo
Cordialmente
eldalai